ENTRETIEN DANIEL MILLE

Victoire du jazz (meilleur artiste instrumental) en 2006

Prix Gus Viseur en 2006

Coup de cœur de l’Académie Charles Cros, (J-L. Trintignant – 2006)

15 JANVIER 2016

Entretien avec Daniel Mille au sujet de son rapport aux valeurs et aux représentations du travail artistique. Daniel Mille est né à Grenoble, il est accordéoniste, compositeur et interprète. Né dans une famille d’artistes, il recoit le Djangodor du meilleur espoir au milieu des années 90 et la victoire de la musique en jazz instrumental en 2006.

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Daniel Mille, vous avez réalisé de nombreuses collaborations artistiques (Barbara, Jacques Higelin, Claude Nougaro, Maxime le Forestier, Jean Louis Trintignant, etc.), et exercé une activité d’accordéoniste de jazz. Vous travaillez actuellement sur différents projets et présenté ce soir un disque autour de la musique d’Astor Piazzolla. L’idée de cet entretien réalisée le 15 janvier 2016 où vous présentez une lecture personnelle des musiques d’Astor Piazzolla a pour vocation à s’intéresser aux valeurs et aux représentations de votre travail artistique.

Pour commencer, pouvez-vous revenir sur les origines de votre découverte des musiques d’Astor Piazzolla et comment touchent-elles  à certaines valeurs artistiques que vous proposez ?

Au départ, j’ai fais de l’accordéon quand j’étais petit ; j’ai commencé suite à la distribution des instruments par mon père qui voulait faire un orchestre familial. Je me suis retrouvé avec l’accordéon sans l’avoir choisi même si j’étais ravi. A 13 ans, en pleine crise d’adolescence et à travers ce qu’on pouvait voir à la télévision m’a fait abandonné l’accordéon, ça ne me parlait pas, ça ne me touchait pas. Au grand regret de mes parents, j’ai décidé d’arrêter la musique.

Avant de découvrir le disque de Richard Galliano avec Claude Nougaro dans un live enregistré au New Morning, c’est un disque d’Astor Piazzolla (Summit) qui m’a touché à 17 ans. Astor Piazzolla jouait avec un saxophoniste de la cote Ouest (Gerry Mulligan), ça été incroyable, il y joue Cierra tus ojos y escucha que nous jouons dans ce projet. Le titre de notre album Cierra tus ojos est la moitié du titre de ce morceau. Ce qui s’est passé au delà du fait que j’ai été bouleversé, c’est qu’alors je pensais qu’on était obligé de jouer un répertoire à l’accordéon ; d’un seul coup, j’ai découvert un instrument très proche (le bandonéon) qui permettre de jouer d’une autre manière, exprimer des sentiments aussi forts.

Ca été un vrai choc et c’est ça qui m’a fait m’intéresser très fort à l’accordéon. Ce qui m’a touché, c’est l’espèce d’universalité, une musique tellement sophistiquée, écrite et elle percute n’importe qui compte tenu de sa charge émotionnelle extrêmement forte. Pour moi qui tente depuis des années de creuser mon sillon de compositeur, c’est vraiment vers ça que j’ai envie d’aller : une musique intellectuelle et émotionnelle.

Dans le parcours que vous décrivez, on entrevoit un souci de transmission. Une transmission qui passe par une œuvre de patrimoine, comment avez-vous travaillé le rapport au compositeur et à la musique d’Astor Piazzolla ?

Tandis que j’ai cherché à devenir un vrai compositeur, ce qui prend beaucoup de temps ; je me suis aussi dis que je voulais faire un projet avec la musique de Piazzolla. Pour un accordéoniste, ce n’est pas anodin de faire un disque sur Piazzolla, il fallait y réfléchir. J’aime bien que les choses aient du sens, le disque sur Piazzolla devait être différent dans le choix des morceaux même si on retrouve Libertango suite aux propositions de l’arrangeur. Mon choix c’était Milonga en la menor, Milonga para tres, l’Ave Maria, des thèmes beaucoup moins joués sur des tempos très lents. On est plus dans la milonga que dans le tango. C’est la musique qui me touche le plus. Milonga para tres, j’ai du le découvrir sur YouTube et il y avait une version à l’époque alors qu’il y a des centaines de versions d’Oblivion. Je l’ai trouvé sublime.

L’instrumentation devait aussi être revu, j’ai beaucoup d’admirations pour Richard Galliano et son travail sur cette musique. Une fois les thèmes choisis, je me suis interdit d’aller les écouter sur YouTube ou de les écouter sur des disques pour arriver le plus vierge possible. J’ai réfléchis à l’instrumentation et il se trouve que l’instrumentation violoncelle – accordéon se marie bien. Richard me l’a fait découvrir avec Jean Charles Capon (Blues sur Seine). Je l’ai pratiqué avec Jean Louis Trintignant (Vian, Prévert, Desnos), je connaissais la texture du son et ce que l’on pouvait obtenir de ce mariage heureux. J’avais le fantasme de faire quelque chose avec un quatuor à cordes, d’abord uniquement composé de violoncelles, très classique ; puis, je cherchais quelque chose de plus grave, il fallait la pulsation de la milonga et pour ça, une contrebasse jazz.

Une fois que les choses ont avancées dans ma tête, les choix d’instrumentation ont été longs. Pour une fois que je ne jouais pas ma musique, je souhaitais faire mes propres arrangements. Puis, le temps a passé, j’avais déjà passé 2 mois a essayé de faire des arrangements mais ça ne me convenait pas, j’arrivais pas à faire sonner ce qui venait dans ma tête, je n’avais pas les compétences.

Il m’a fallut un temps pour accepter car ça posait d’autres questions, si je ne joue pas ma musique et que je joue quelque chose que quelqu’un a arrangé ; quel sens cela avait ? Je me suis mis à la recherche d’arrangeur pendant 6 mois, j’allais voir le travail des uns et des autres. On m’a conseillé Samuel Strouk, j’avais vu qu’il travaillait avec d’autres accordéonistes ; je ne voulais pas mélanger les choses. J’avais le soutien du Train Théâtre de Portes les Valence, là où je vis. J’avais 4 jours de répétition et un concert à présenter en février 2014.

On est 6 mois avant le concert, je me suis alors dis qu’il n’y avait pas plus de sens pour le disque d’autant qu’Universal n’avait pas renouvelé le contrat. Le directeur du théâtre m’a informé que la soirée affichait complet. J’ai du remonté mes manches en se disant qu’il fallait arranger pour la soirée. Confier les arrangements d’un projet, c’est lui donner les clés de la voiture, ça un sens particulier. Je ne lâchais pas le projet avec facilité même si je n’avais pas confiance en moi-même. Je n’avais jamais rencontré Samuel Strouk, je l’ai appelé le 24 décembre donc un mois et demi avant la soirée. On a une longue discussion, il connaissait très bien l’accordéon compte tenu de sa collaboration avec Vincent Peirani. Ce sont des musiciens de la même génération, il connaissait très bien l’accordéon, il compose depuis longtemps avec François Salque. Il avait écrit pour des pièces à 8 violoncelles et qui était passionné par Astor Piazzolla. Il y a une telle violence de sentiments dans cette musique.

Je lui ai confirmé que le Train Théâtre avait confirmé deux soirées au 15 et 16 février. J’avais donc besoin des arrangements et des morceaux et le mois de janvier, je partais en tournée en Haïti. Je lui ai expliqué au téléphone ce que j’aimais et ce que je n’aimais pas. J’avais besoin de quelqu’un qui puisse faire les arrangements que j’aurais pu faire si j’en avais les compétences. Ce n’était pas simple, il m’a confirmé sa capacité de travail mais j’avais besoin de le rencontrer. Il a pris le train le jour de Noël, on s’est retrouvé 2 heures sur le temps du déjeuner dans la cafétéria de la gare de Valence TGV. On a beaucoup parlé, il a pris son train et s’est mis au travail. Il est venu aux répétitions, il a été tout le temps à nos cotés. Nous partons en tournée, il dirige les répétitions et peaufine les derniers détails depuis le 14 janvier 2016.

Entretien de Daniel Mille par Mathieu Feryn le 15 janvier 2016. Texte retranscrit et retravaillé à partir de l’enregistrement

ENTRETIEN BRUNO ANGELINI

Prix Spécial du Tremplin Jazz de la Défense en 1995

Titulaire des Etoiles Culture Jazz de Christian Ducasse (2008), de Michel Delorme (2010 et 2011)

10 JANVIER 2016

Entretien avec Bruno Angelini au sujet de son rapport aux valeurs et aux représentations du travail artistique. Bruno Angelini est né à Marseille où il a étudié la musique au Conservatoire de jazz de la ville au piano, à la guitare et au saxophone. Titulaire d’un diplôme d’ingénieur en thermodynamique, il obtient le prix spécial du Concours national de jazz de la Défense en 1995.

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Bruno Angelini, vous avez réalisé de nombreuses collaborations musicales (Christophe Del Sasso, David El Malek, Sylvain Beuf, Riccardo Del Fra, etc.), et exercé une activité de pianiste au jazz. Vous travaillez actuellement sur différents projets et présenté ce soir une œuvre cinématographique et une certaine façon de se représenter le cinéma. L’idée de cet entretien réalisée le 10 janvier 2016 au cours de la balance qui précède votre concert à l’AJMi où vous présentez une lecture personnelle des films de Sergio Leone a pour vocation à s’intéresser aux valeurs et aux représentations de votre travail artistique.

Pour commencer, pouvez-vous revenir sur les origines de votre découverte des films de Sergio Léone et comment elles touchent à certaines valeurs artistiques que vous proposez ?

Lorsque je découvre les films de Léone, je suis petit, je suis touché par plein de choses. Certainement la sensibilité à la musique sans en être vraiment conscient, je faisais déjà de la musique. Ça été très long ensuite et je ne me serai jamais dis que je ferai de la musique mais c’était important. Je pense que ces Western lorsqu’ils sont arrivés ont proposés quelque chose d’autre sur le plan cinématographique par rapport à ce que je regardais à la séance du dimanche soir, c’était sacrément différent. Je ne dis pas que c’était mieux ou moins bien, c’était vraiment autre chose, ça m’a marqué lorsque j’étais petit. Peut-être un lien avec mes origines italiennes ? Bien malin qui pourrait le dire et puis, aujourd’hui, c’est encore autre chose.

Je suis touché car il y a dans ces films un certain pessimisme dans lequel je me retrouve à propos de ce que les hommes se font entre eux, des uns aux autres. Je suis assez triste de ça, j’essaye de le repousser pour continuer à exister. Ca me touche, c’est ce que je ressens dans ce cinéma, la description d’un monde noir et cruel. Par exemple, la guerre de Sécession avec toute la bêtise qu’on entrevoit dans « le bon, la brute et le truand », l’appât du gain dans « Il était une fois dans l’Ouest » avec ces gens qui veulent absolument s’enrichir, on est déjà dans le grand capital. Et puis, dans « Il était une fois la Révolution », une révolution créée par des gens qui la font, la trahisse, un résumé de beaucoup de choses. La seule lueur que j’entrevois et qui est ma raison d’espérer est la relation d’individu à individu ; c’est ce qui passe dans le cinéma de Léone. Il y a un contexte noir et des histoires d’amitiés contre nature qui naissent entre des gars borderline, désespérés, sans buts mais ils essayent de terminer leurs parcours sous fond de vengeances.

Il y a une grande solitude assumée par les héros, les choses se font quand même avec des amitiés émouvantes car ce ne sont pas des trucs à la guimauve. Je me sens très proche de ça. La famille et la musique, ce sont les seuls éléments qui donnent du sens à mon parcours. Parmi ce que j’observe, ces choses là me renforcent dans mon envie de faire la musique pour ce qu’elle a d’utiles et d’inutiles dans le sens où l’on produirait rien. Il y a dans le cinéma italien toutes les palettes de la vie, ça me plait car ça créé un contraste qui renforce les valeurs qui sont à l’image.

En parallèle, j’adore Ennio Morricone, j’aurais pu me dire que je vais le jouer en m’axant sur la musique en ré-harmonisant les thèmes. Mais, après avoir revu un film (« Il était une fois la révolution ») par hasard, il y a 2-3 ans en zappant à la télé, j’ai regardé le truc en entier avec une grande émotion. Jamais, je ne me serais attendu à ça, donc ça m’a plu, ça m’a rappelé des souvenirs d’enfant : le film, le propos, la musique, extras ! Des émotions comme ça vaut le coup de les saisir, il a fallu alors que j’investisse ce film, cette musique, que je raconte pourquoi ça me touche. Je suis alors parti du film puis j’en ai vu d’autres (Il était une fois dans l’Ouest – Le bon, la brute et le truand) ; je suis resté dans les Western, je ne suis pas allé vers « Il était une fois l’Amérique », un film que j’aime beaucoup mais qui est sorti lorsque je n’étais plus gamin. Bien que la musique soit fantastique aussi, ça me touche moins, c’est très personnel. C’est pour ça qu’avec Philippe Ghielmetti (son producteur) qu’on a convenu de travailler sur Léone : « Léone Allone » ça sonne bien et c’est un moyen de faire une petite blague sur mon premier disque « Never Allone ». Souvent, lorsque nous sommes en solo, on est un peu seul par la force des choses, alors bon.

Dans le parcours que vous décrivez, on entrevoit un souci de transmission. Une transmission qui passe par une œuvre de patrimoine, comment avez-vous travaillé le rapport au cinéaste et à la musique d’Ennio Morricone ?

Dans cette dimension, c’est vrai que ce qui est agréable, c’est ce qui échappe au travail de composition et aux habitudes. Il peut s’instaurer un dialogue avec des habitués qui ont des repères, avec des références. Pour ça, ça demande d’avoir un public qui suit, c’est agréable aussi ; là, ce qui est travaillé, ce n’est pas spécialement les gens. Je sais qu’il y a plein de gens qui ont vu les films, la musique, ils vont nécessairement rentrer en interaction en fonction de ce qui est suggéré par le solo, c’est chouette d’utiliser ce patrimoine, ça me plait pour ce que ça créé comme échange, c’est une chance. Contrairement au lancement du disque avec Francesco Bearzatti sur le film « Il était une fois dans l’Ouest » où il y a le train et mon camarade a alors joué le train avec son saxophone. Pianistiquement, je n’avais pas les outils, il s’agit pour moi d’une cavalcade, un mouvement que j’imagine, tel que le mouvement du cheval. Est-ce la même chose que va recevoir le public ? Je pense à ça, j’ai travaillé sur les situations dramatiques. Je refais le film avec les moments importants, lorsque je joue, je fais référence à une scène de « le bon, la brute et le truand » où Clint Eastwood se retrouve dans le désert, il a des hallucinations et j’enchaine avec un passage sur « Il était une fois la Révolution » où les deux héros sont dans une grotte, les enfants ont été liquidés, ce qui enclenche un premier rapprochement entre les deux protagonistes. Ces moments là sont très importants. Ennio Morricone prend des bouts de thème et évoque des parties ; il arrive souvent que le thème soit associé à autre chose dans le film. J’ai cherché à relever toutes les cellules mélodiques et ensuite avec l’envie de ces moments de faire ma propre combine et travailler sur la multi tonalité, j’ai combiné différentes tonalités pour les désenclaver afin d’ouvrir l’imaginaire, proposer une dissonance au service de l’ouverture.

Il y a donc quelque chose qui m’a fait plaisir, lorsque j’ai entendu ce disque pour la première alors que paradoxalement je l’ai hyper travaillé contrairement à une séance habituelle, plus free. J’ai travaillé 4 mois à ne penser qu’à ça tout en jouant a coté, en étant vraiment focalisé sur cela. Lorsque j’ai écouté le disque, j’ai découvert quelque chose qui m’a échappé, qui ne m’appartenait pas, ça m’a plu. Ce qui me plait dans l’improvisation, c’est l’inconscient qui prend le dessus. Je n’ai pas toujours eu cette impression, y compris plus jeune où il y avait encore quelques petites choses à régler par rapport à la musique. Depuis quelques années, je lâche prise, je suis moins concentré sur ce qu’il faut que je fasse, ma discographie semble plus fidèle à ce que mon cœur suggère et aussi mon inconscient. L’enjeu, le problème à résoudre face à l’orchestration d’Ennio Morricone m’a pris beaucoup de temps, j’ai travaillé beaucoup pour ramener les choses à quelque chose de possible à jouer au piano et fidèle aux mélodies que j’aime et à ma description des films. La première chose que je me suis dit face à tous ces sons, merveilleux et inattendus, des trucs qui se marient à la fois à la voix et à l’orchestre. Alors, j’ai incorporé des matières sonores pour avoir des palettes, créer des contrastes, des images et suggérer des choses. C’est pour ça qu’il y a le Fender Rhodes et des sons, des boucles qui renvoient à des sons, la présence des cloches, des percussions, etc. Bien que le solo soit un exercice, je n’ai pas fait de solo en tant que jeune musicien, j’ai toujours voulu jouer avec les autres. Ce n’est pas vraiment évident lorsque tu es pianiste. J’ai beaucoup de copains qui ont harmonisés les thèmes. A vrai dire, je me suis intéressé au solo suite à la demande de mon producteur, je lui dis « quoi, un solo ? Que me dis-tu ? ». Ce n’est vraiment pas une évidence et se faisant, ça m’a plu, je me suis rendu compte qu’il y avait beaucoup de choses à découvrir sur son jeu, sur soi et aujourd’hui, j’ai grand plaisir à le faire tout en sachant que ce n’est pas rien. Je force un peu le trait car je ne joue pas un répertoire là, j’y vais vraiment car c’est une formule très intime qui permet de toucher autrement le public.

Entretien de Bruno Angelini par Mathieu Feryn le 10 janvier 2016. Texte retranscrit et retravaillé à partir de l’enregistrement.