Festival : les scènes jazz orchestrent la cote des territoires

Festival : les scènes jazz orchestrent la cote des territoires

¤ Avec plus de 458 festivals, le jazz est la deuxième musique la plus programmée en France. ¤ Un genre qui fait parfois renaître des territoires à l’abandon et participe à l’attractivité estivale des villes.

Ibrahim Maalouf à Nice, Norah Jones à Marseille, Avishai Cohen à Marciac, Ahmad Jamal à Vienne, la diva soul Ala.ni à la Défense… Entre clubs de jazz, cabarets, bars, concerts et grands festivals, les notes bleues s’infiltrent partout cet été. « Cette musique de création, libre, décomplexée, affranchie des codes du passé, à la fois cool et sophistiqué, colle merveilleusement à l’époque « , analyse Hugues Kieffer, directeur technique et coordinateur général de Marseille Jazz des cinq continents, qui fête cette année sa 17e édition. « Il imprime un souffle d’indépendance », renchérit le trompettiste, Eric Le Lann.

C’est un fait : les cinq plus grands festivals (Vienne, Marciac, Nice, Marseille, Coutances) devraient encore attirer cette saison près de 600.000 spectateurs. Et le nombre d’amateurs est encore plus important car les concerts regorgent partout en France : selon le dernier barofest de la Sacem, le jazz est le deuxième genre musical programmé après la musique électro. On comptait, l’an passé, 458 festivals de jazz, blues et musiques improvisées, représentant le quart de la programmation nationale. Malgré la perte d’une dizaine de petits événements, cette musique reste quand même la deuxième plus importante derrière la musique électro.

Pourquoi un tel engouement ? « Le jazz, plus que tout autre genre, a la capacité à rassembler tout public. D’autant plus que, en ce moment, le genre se régénère avec l’arrivée de nouveaux artistes, qui renouvellent l’héritage des anciens « , avance Mathieu Feryn, chercheur à l’université d’Avignon. Même les communes les plus reculées s’y mettent.

Retombées économiques

Depuis quinze ans dans le Bas-Rhin, les 633 habitants de La Petite-Pierre voient ainsi débarquer en été près de 17.000 festivaliers autour d’affiches de prestige (cette année Archie Shepp, Hiromi, Hugh Coltman…) et d’un festival off qui occupe pas moins de cinq scènes. Dans la Drôme, Le Poët-Laval, village de 976 habitants, rêve de lui emboîter le pas, avec cette année une quatrième édition qui a su séduire les doigts du pianiste cubain Omar Sosa, et ceux de Shai Maestro, une des plus belles révélations de ces dernières années.

Et les retombées économiques sont importantes. La réputation de Marciac a fait exploser la production du vignoble de Saint-Mont parrainé par les artistes. Il écoule 40 millions de cols chaque année, contre 20.000 lors de la création du festival en 1978.

A Vienne, les retombées atteignent 17 millions d’euros, selon une étude réalisée par Nova Consulting. Pendant les seize jours de concerts, les festivaliers dépensent en billetterie, bien sûr (2,6 millions d’euros), mais aussi en transports (4,2 millions), en restaurants (2,8 millions), en consommation dans les bars (1,7 million), en hébergement (1,4 million). « C’est un moteur pour le développement du territoire « , assure le maire de la ville, Thierry Kovacs.

Le jazz offre l’un des meilleurs retours sur investissement : 15 euros gagnés pour 1 euro investi dans le meilleur des cas, 3 à 4 pour 1 en moyenne. « L’équilibre est relativement aisé », analyse un spécialiste. A Marseille, par exemple, la jauge de 3.500 spectateurs du parc Longchamp peut générer 120.000 euros de recette par jour. La part de subventions ne dépasse donc pas la moitié du budget. « En termes d’attractivité et d’image, s’amuse Régis Guerbois, président du Marseille Jazz des cinq continents, ça n’est pas cher payé pour une bonne note. « 

En savoir plus sur https://www.lesechos.fr/07/07/2017/LesEchos/22482-094-ECH_festival—les-scenes-jazz-orchestrent-la-cote-des-territoires.htm#xGhFO7aPUov3Zxs5.99

Congrès : aliénation ou émancipation [St Gall, Suisse]

CONF : Art & Market : Alienation or Emancipation? St.Gallen, November 17-18, 2016

unistgallenInternational congress organised by the Research committee Sociology of Arts and Culture (RC-SAC) of the Swiss Sociological Association (SGS) and the Institute of Sociology of the University of St.Gallen (SfS-UNISG), Switzerland

The market plays an ambivalent role in the sociological analysis of art. Some authors suggest it implies commodification or even bondage of art. From this point of view, the accursed artist – who continues to create pieces of art even if he is not selling them – may become an epitome of authentic creation.

According to the Frankfurt School, the «cultural industry», as an economic system, produces and disseminates standardized products aimed to fulfil needs created from scratch and to bring consumers into line.

Within «art worlds», characterized by Howard Becker as cooperative networks regulated by aesthetic conventions, there seem to be a limited scope for economic competition and market constraints. Pierre Bourdieu draws a distinction between two artistic subfields by setting a relatively autonomous restricted production against a heteronomous broader production responding to commercial and market-based considerations. From this point of view, is genuine the art that succeeds to escape the market thanks to State subsidies or cultural policies protecting «freedom of art». Other analyses consider, by contrast, that the market casts off the subordination to Religion, the Prince, an excessively demanding cultural patronage or the State. In the case of Mozart, Norbert Elias describes the use of subscriptions and concerts as a way to move beyond the dictates of nobles – but the musical market was in its early stages, which paradoxically pushed his extraordinary productivity and probably explains the early death of the composer.

Pierre Bourdieu (1930-2002)
Pierre Bourdieu (1930-2002)

For Pierre Bourdieu, the historical emergence of the market initially offers the condition of possibility of an «autonomisation» of art. This «reversed economy» enabled the literary field to establish its own rules – in a context particularly competitive and with the risk of an increased exposition to a market-based economy.

For the complete progamme open this PDF  Art & Market Progamme St. Gallen

Organising committee: Andrea GLAUSER (University of Lucerne), Olivier MOESCHLER (University of Lausanne),  Valérie ROLLE (London School of Economics), Franz SCHULTHEIS, Patricia HOLDER and Thomas MAZZURANA (University of St.Gallen)

Scientific committee: the above-mentioned persons and Jens KASTNER (Akademie der bildenden Künste, Vienna), Alain QUEMIN (University of Paris VIII), Ulf WUGGENIG (Leuphana University of Lüneburg)

ENTRETIEN BRUNO ANGELINI

Prix Spécial du Tremplin Jazz de la Défense en 1995

Titulaire des Etoiles Culture Jazz de Christian Ducasse (2008), de Michel Delorme (2010 et 2011)

10 JANVIER 2016

Entretien avec Bruno Angelini au sujet de son rapport aux valeurs et aux représentations du travail artistique. Bruno Angelini est né à Marseille où il a étudié la musique au Conservatoire de jazz de la ville au piano, à la guitare et au saxophone. Titulaire d’un diplôme d’ingénieur en thermodynamique, il obtient le prix spécial du Concours national de jazz de la Défense en 1995.

 bruno

Bruno Angelini, vous avez réalisé de nombreuses collaborations musicales (Christophe Del Sasso, David El Malek, Sylvain Beuf, Riccardo Del Fra, etc.), et exercé une activité de pianiste au jazz. Vous travaillez actuellement sur différents projets et présenté ce soir une œuvre cinématographique et une certaine façon de se représenter le cinéma. L’idée de cet entretien réalisée le 10 janvier 2016 au cours de la balance qui précède votre concert à l’AJMi où vous présentez une lecture personnelle des films de Sergio Leone a pour vocation à s’intéresser aux valeurs et aux représentations de votre travail artistique.

Pour commencer, pouvez-vous revenir sur les origines de votre découverte des films de Sergio Léone et comment elles touchent à certaines valeurs artistiques que vous proposez ?

Lorsque je découvre les films de Léone, je suis petit, je suis touché par plein de choses. Certainement la sensibilité à la musique sans en être vraiment conscient, je faisais déjà de la musique. Ça été très long ensuite et je ne me serai jamais dis que je ferai de la musique mais c’était important. Je pense que ces Western lorsqu’ils sont arrivés ont proposés quelque chose d’autre sur le plan cinématographique par rapport à ce que je regardais à la séance du dimanche soir, c’était sacrément différent. Je ne dis pas que c’était mieux ou moins bien, c’était vraiment autre chose, ça m’a marqué lorsque j’étais petit. Peut-être un lien avec mes origines italiennes ? Bien malin qui pourrait le dire et puis, aujourd’hui, c’est encore autre chose.

Je suis touché car il y a dans ces films un certain pessimisme dans lequel je me retrouve à propos de ce que les hommes se font entre eux, des uns aux autres. Je suis assez triste de ça, j’essaye de le repousser pour continuer à exister. Ca me touche, c’est ce que je ressens dans ce cinéma, la description d’un monde noir et cruel. Par exemple, la guerre de Sécession avec toute la bêtise qu’on entrevoit dans « le bon, la brute et le truand », l’appât du gain dans « Il était une fois dans l’Ouest » avec ces gens qui veulent absolument s’enrichir, on est déjà dans le grand capital. Et puis, dans « Il était une fois la Révolution », une révolution créée par des gens qui la font, la trahisse, un résumé de beaucoup de choses. La seule lueur que j’entrevois et qui est ma raison d’espérer est la relation d’individu à individu ; c’est ce qui passe dans le cinéma de Léone. Il y a un contexte noir et des histoires d’amitiés contre nature qui naissent entre des gars borderline, désespérés, sans buts mais ils essayent de terminer leurs parcours sous fond de vengeances.

Il y a une grande solitude assumée par les héros, les choses se font quand même avec des amitiés émouvantes car ce ne sont pas des trucs à la guimauve. Je me sens très proche de ça. La famille et la musique, ce sont les seuls éléments qui donnent du sens à mon parcours. Parmi ce que j’observe, ces choses là me renforcent dans mon envie de faire la musique pour ce qu’elle a d’utiles et d’inutiles dans le sens où l’on produirait rien. Il y a dans le cinéma italien toutes les palettes de la vie, ça me plait car ça créé un contraste qui renforce les valeurs qui sont à l’image.

En parallèle, j’adore Ennio Morricone, j’aurais pu me dire que je vais le jouer en m’axant sur la musique en ré-harmonisant les thèmes. Mais, après avoir revu un film (« Il était une fois la révolution ») par hasard, il y a 2-3 ans en zappant à la télé, j’ai regardé le truc en entier avec une grande émotion. Jamais, je ne me serais attendu à ça, donc ça m’a plu, ça m’a rappelé des souvenirs d’enfant : le film, le propos, la musique, extras ! Des émotions comme ça vaut le coup de les saisir, il a fallu alors que j’investisse ce film, cette musique, que je raconte pourquoi ça me touche. Je suis alors parti du film puis j’en ai vu d’autres (Il était une fois dans l’Ouest – Le bon, la brute et le truand) ; je suis resté dans les Western, je ne suis pas allé vers « Il était une fois l’Amérique », un film que j’aime beaucoup mais qui est sorti lorsque je n’étais plus gamin. Bien que la musique soit fantastique aussi, ça me touche moins, c’est très personnel. C’est pour ça qu’avec Philippe Ghielmetti (son producteur) qu’on a convenu de travailler sur Léone : « Léone Allone » ça sonne bien et c’est un moyen de faire une petite blague sur mon premier disque « Never Allone ». Souvent, lorsque nous sommes en solo, on est un peu seul par la force des choses, alors bon.

Dans le parcours que vous décrivez, on entrevoit un souci de transmission. Une transmission qui passe par une œuvre de patrimoine, comment avez-vous travaillé le rapport au cinéaste et à la musique d’Ennio Morricone ?

Dans cette dimension, c’est vrai que ce qui est agréable, c’est ce qui échappe au travail de composition et aux habitudes. Il peut s’instaurer un dialogue avec des habitués qui ont des repères, avec des références. Pour ça, ça demande d’avoir un public qui suit, c’est agréable aussi ; là, ce qui est travaillé, ce n’est pas spécialement les gens. Je sais qu’il y a plein de gens qui ont vu les films, la musique, ils vont nécessairement rentrer en interaction en fonction de ce qui est suggéré par le solo, c’est chouette d’utiliser ce patrimoine, ça me plait pour ce que ça créé comme échange, c’est une chance. Contrairement au lancement du disque avec Francesco Bearzatti sur le film « Il était une fois dans l’Ouest » où il y a le train et mon camarade a alors joué le train avec son saxophone. Pianistiquement, je n’avais pas les outils, il s’agit pour moi d’une cavalcade, un mouvement que j’imagine, tel que le mouvement du cheval. Est-ce la même chose que va recevoir le public ? Je pense à ça, j’ai travaillé sur les situations dramatiques. Je refais le film avec les moments importants, lorsque je joue, je fais référence à une scène de « le bon, la brute et le truand » où Clint Eastwood se retrouve dans le désert, il a des hallucinations et j’enchaine avec un passage sur « Il était une fois la Révolution » où les deux héros sont dans une grotte, les enfants ont été liquidés, ce qui enclenche un premier rapprochement entre les deux protagonistes. Ces moments là sont très importants. Ennio Morricone prend des bouts de thème et évoque des parties ; il arrive souvent que le thème soit associé à autre chose dans le film. J’ai cherché à relever toutes les cellules mélodiques et ensuite avec l’envie de ces moments de faire ma propre combine et travailler sur la multi tonalité, j’ai combiné différentes tonalités pour les désenclaver afin d’ouvrir l’imaginaire, proposer une dissonance au service de l’ouverture.

Il y a donc quelque chose qui m’a fait plaisir, lorsque j’ai entendu ce disque pour la première alors que paradoxalement je l’ai hyper travaillé contrairement à une séance habituelle, plus free. J’ai travaillé 4 mois à ne penser qu’à ça tout en jouant a coté, en étant vraiment focalisé sur cela. Lorsque j’ai écouté le disque, j’ai découvert quelque chose qui m’a échappé, qui ne m’appartenait pas, ça m’a plu. Ce qui me plait dans l’improvisation, c’est l’inconscient qui prend le dessus. Je n’ai pas toujours eu cette impression, y compris plus jeune où il y avait encore quelques petites choses à régler par rapport à la musique. Depuis quelques années, je lâche prise, je suis moins concentré sur ce qu’il faut que je fasse, ma discographie semble plus fidèle à ce que mon cœur suggère et aussi mon inconscient. L’enjeu, le problème à résoudre face à l’orchestration d’Ennio Morricone m’a pris beaucoup de temps, j’ai travaillé beaucoup pour ramener les choses à quelque chose de possible à jouer au piano et fidèle aux mélodies que j’aime et à ma description des films. La première chose que je me suis dit face à tous ces sons, merveilleux et inattendus, des trucs qui se marient à la fois à la voix et à l’orchestre. Alors, j’ai incorporé des matières sonores pour avoir des palettes, créer des contrastes, des images et suggérer des choses. C’est pour ça qu’il y a le Fender Rhodes et des sons, des boucles qui renvoient à des sons, la présence des cloches, des percussions, etc. Bien que le solo soit un exercice, je n’ai pas fait de solo en tant que jeune musicien, j’ai toujours voulu jouer avec les autres. Ce n’est pas vraiment évident lorsque tu es pianiste. J’ai beaucoup de copains qui ont harmonisés les thèmes. A vrai dire, je me suis intéressé au solo suite à la demande de mon producteur, je lui dis « quoi, un solo ? Que me dis-tu ? ». Ce n’est vraiment pas une évidence et se faisant, ça m’a plu, je me suis rendu compte qu’il y avait beaucoup de choses à découvrir sur son jeu, sur soi et aujourd’hui, j’ai grand plaisir à le faire tout en sachant que ce n’est pas rien. Je force un peu le trait car je ne joue pas un répertoire là, j’y vais vraiment car c’est une formule très intime qui permet de toucher autrement le public.

Entretien de Bruno Angelini par Mathieu Feryn le 10 janvier 2016. Texte retranscrit et retravaillé à partir de l’enregistrement.